谈中国画创作中笔、墨、色的运用摘要：水墨与色彩既互相排斥又互相作用，南朝萧绎《山水松石格》说：“高墨犹绿，下墨犹赪”，“赪”是红色的意思。这是指山石石体的上面和下面反映出的两种颜色，施以水墨浓淡表现在画面上的效果，水墨的丰富变化或多或少影响着花鸟画家和人物画画家对它的尝试。关键词：中国画;笔;墨;色;运用众所周知，中国画与西方绘画有很多的区别，西方绘画强调色彩的运用，色彩的理念，没有笔墨这个特殊理念，而中国画画家却为使笔墨如何达到炉火纯青呕心沥血很少提及色，在自然界里很少有墨色景象，古人大胆地把五彩缤纷的物象推进到浓淡层次变化的水墨中，使画面呈现出有色彩感觉的黑白世界。“墨分五色”，即水墨多层次的色度，焦、浓、重、淡、清。这些有丰富层次的水墨代替了中国画传统的色彩，形成具有黑白层次变化的中国画艺术表现方式。用墨之法，变化多端，全在画家用心领悟。一、中国画色彩运用理念的创立在花鸟画领域，五代的徐熙以墨为主，以色彩为次，创立了“野逸”水墨花鸟画风，与黄荃创立的重彩工笔花鸟画派形成了一种鼎立的局面。到了唐代，色彩的运用达到了鼎盛得时期，正所谓“五色令人目盲”。在色彩达到绚丽之极后，终会进入恬淡宁静的境界。其實，早在魏晋南北朝时期，受“玄学”思想的影响，山水画领域即产生了一种新画法——水墨画法。在莫高窟壁画《山水》上，是用水墨以粗笔、阔笔一笔一笔画出辽阔的江面和烟云，再略渲染层叠远山，给人一种烟雾迷蒙的景象，可以说，这是纯用水墨表现中国画的雏形。之后的王维在吴道子水墨画法的基础上，以水掺和墨彩进行渲淡。水墨技法的出现，冲破了重彩工笔技法的壁垒，色彩与墨法之间的矛盾也由此产生。五代荆浩、关同、巨然、董源、宋代李成、范宽、郭熙、李唐、米芾等都继承延续了水墨山水画一派，提升了水墨画的地位，创造了不同的山水画特色。在他们鼎力创造下，山水画法日趋丰富，增添了许多皴法，有了勾、皴、擦、点、染描绘山水的过程，进一步完善了笔墨一整套技法，从而忽略了色彩的运用。笔法与墨法的关系得到了加强，也使两者有了明确的分工，用笔是勾、皴、擦、点，而用墨是渲染明暗。另外，他们注意笔法、墨法在绢上的表现效果。他们没有将重彩敷丽于绢上，而是以勾、皴、擦、染等手法完成笔墨结合的画面效果或者不用勾、皴、擦、染而直接用水墨率意描绘，淋漓的发挥。用笔熟练、劲健，用墨浓淡干湿相宜，使画面达到笔墨交融的效果。二、中国画笔墨和色彩的协调关系的创新运用---本文来源于网络，仅供参考，勿照抄，如有侵权请联系删除---近代许多出国留学回国的中国画家，希望利用自己所学到的西方绘画艺术来改造古老的中国画，从而将其推到现代中国画轨道上。如“岭南画派”的高剑父、高奇峰多次留学日本，研究西方和日本的美术，总结中国画艺术，他们把中国画艺术所缺少的表现形式如光色、纵深感等表现出来，在山水画、花鸟画、走兽等题材上加入居廉的没骨画法、撞水撞粉画法，结合日本画家画法，创造出奔放雄劲的风格。再如，留学欧洲回归的徐悲鸿，将西方写实画法与传统技巧相结合，形似的和笔墨结合地创造出许多关注民生的画作。中国传统绘画一统天下的格局因外来文化的冲击，形成了百家齐鸣、百花齐放的多元化格局。同样中西绘画使用工具也各不相同，油画使用透明的植物油调和化学物颜料，在经过加工的布、纸、板等材料上作画;水彩画是利用颜料的透明性，用水色掺和晕接、重叠在白纸上作画;水粉画颜料具有不透明，常与白粉混合表现，覆盖力强，色彩表现力也很强，能做很多种色彩层次，而中国画既有遮盖力很强的鲜艳矿物质颜料，又有透明质细的植物色，颜料种类简单而纯朴。在描写对象，中国画不可能像西洋画分很多种色彩，各种色相层次，往对象身上作细致雕刻的表现。“随类赋彩”，谢赫提出的表现物象的固有色，不是客观描写对象，照相式的翻版，而是强调色彩明暗冷热互为对比或补色关系表现物象，或者为画面整体艺术效果或主题思想做一些颜色的变化，增进画面气氛，如青绿、金碧、浅绛、淡彩等。中国画表现形式不是固定不变的，前人画家在笔墨和...