中国画用笔研究王本祥摘要：中国画的绘画语言，说到底就是“笔墨”二字。中国画的用笔用墨具有显著的文化特征而区别于其他画种。本文先剖析中国绘画重视用笔的历史原因与文化背景，再从实践中讨论用笔的规律与方法。关键字：书法；文人画；线条；用笔一、国画用笔与文人画国画的用笔与“线条”是密不可分的。归根结底，国画的“用笔”就是画出好的线条。中国绘画中好的线条要像书法一样自由灵动，能够体现作者的情感与生命的活力。这种审美观念的形成与发展是与“文人画”的发展联系在一起的。在魏晋时期，早期的山水画家多是隐士，他们在玄学思想的指导下，将山水作为“道”的载体，山水画则成为一种精神寄托，甚至可以说是一种精神逃避，从而将他们与世俗相隔，“澄怀味道”“卧以游之”。隐居山林的宗炳与王微的画论提高了山水画的地位，推动了山水画向画坛主流发展的历程。在这里，就提出了“逸”或“隐逸精神”的概念。在中国古代，职业画家地位低下，“画家”一词往往含有贬义的成分。若一位文人被称作画家，那他肯定会气愤不已：一则画商因为商业上的从属关系而受制于人，二则画商的绘画内容必须迎合大众的审美口味。所以文人画在形成指出就带着明显的精英倾向。文人画始于知识分子的笔墨游戏与自娱，是知识分子表达个人感情的方式与途径。正如倪云林所言：“朴之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”。文人为了将自己的画作与“卑贱”的画匠区分，从而提出了“雅”与“俗”的概念——文人的创作是雅的，画匠的创作是俗的。他们还将一些观念加入了“雅”的绘画中——“雅”的绘画讲求神似而不讲求形似，且具有书法用笔的“骨法”之美。这种上层阶级的绘画不仅仅是为上层阶级绘制的，而是由上层阶级绘制的，所以“文人画”获得了类似于诗的较高地位，“吟诗作画”一词往往令人联想到古代的文人。贡布里希在《文化的故事》里提出：“在中国最在出现这种情况：受神灵启示的诗人不在吧绘画看成是低下的工作，并且还参与到这项艺术活动中去。”卜寿珊在描述文人---本文来源于网络，仅供参考，勿照抄，如有侵权请联系删除---画的形成时说：“从其发端时起，士大夫画就是非常典型的少数受教育者的艺术，只在私人圈子中流行，欣赏者也仅仅是有选择性的极少数人。然而尽管源于精英主义，他却逐渐取得了广泛基础，到了明晚期，这种文人风尚习惯和观点成为艺术和思想领域普遍接受的范式。”在谈及文人画对绘画的影响时，不得不提中国古代的绘画批评，即画论。在中国漫长的绘画史中，画论对绘画的影响是显而易见的。当代的国画家随口可咏出《林泉高致》中类似“可游、可探、可居、可行”的句子。而并没有画作流传下来的古代画家由于画论的描述被推崇至致。古代的画论大都由文人书写，并大都是用来描述文人画的——由于这些画家都是文人出身，把自己的创作体验记录下来是很自然的事，而且这些著作还可以陈述他们的艺术观点，捍卫其作品免于批评，甚至阐述绘画的原理与价值观。所以画论作为独立的元素，成功的参加并极大地影响了中国绘画漫长的历史进程。二、线的特性当我们试图阐述中国画的用笔，即如何画好“线”时，我们便遇到了一个原理性的基本问题——什么是线？关于线的概念，诺伯特.林顿有如下两种阐释：“一种是将几何性线条强加到自然轮廓，另一种是鼓励手的自由运动。”中国绘画（尤其是中国画）对线的要求理所当然的属于后者。在中国古代，画家分三种类型：一种是职业画家（画匠），一种是宫廷画家（就职于宫廷，画风迎合皇室口味），第三类是文人画家（有较高的文学修养，擅长书法，排斥色彩）。由于文人与书法的紧密联系，使得文人画的作画线条的优劣标准越来越倾向于书法。“书画同源”这个词语对中国画家来说耳熟能详，围绕其概念的阐述与争论从未停止。不过值得注意的一点是，古代关于书画同源概念的阐释大都来自于绘画评论家，书法家则很少提及这个概念。我认为书画到底何者为“源”并不重要。关于“书画同源”概念的历史层面的理解，应该放到当时的历史情境下阐述。中国的艺术形式多种多样，在不同的历史时期他们拥有不同的地位。...